Os melhores filmes na Netflix podem ser difíceis de encontrar, mas é provável que não fiquemos sem grandes filmes tão cedo. Há muito por onde escolher, esteja você procurando os melhores filmes de ação, os melhores filmes de terror, as melhores comédias ou os melhores filmes clássicos da Netflix. Atualizamos a lista para 2022 para remover ótimos filmes que saíram, destacando a excelência não vista.
Em vez de gastar seu tempo percorrendo as categorias, tentando rastrear o filme perfeito para assistir, fizemos o possível para facilitar para você no Paste , atualizando nossa lista de Melhores Filmes para assistir na Netflix a cada semana com novas adições e esquecidas filmes iguais.
Aqui estão os 50 melhores filmes transmitidos na Netflix no momento:
1.Lady Bird
Ano: 2017
Diretor: Greta Gerwig
Estrelas: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letts, Lucas Hedges, Beanie Feldstein, Timothee Chalamet
Gênero: Drama, Comédia
Classificação: R
Antes de Christine “Lady Bird” McPherson (Saoirse Ronan) – Lady Bird é seu nome de batismo, como em “[ela] deu a si mesma” – audições para o musical da escola, ela assiste a um jovem cantando as notas finais para “Being Alive” da empresa de Stephen Sondheim . Alguns momentos antes, enquanto estava em um carro com sua mãe, ela deita a cabeça na janela melancolicamente e diz com um suspiro: “Eu gostaria de poder viver alguma coisa”. Presa em Sacramento, onde ela acha que não há nada a ser oferecido a ela enquanto presta muita atenção a tudo que sua casa faztem a oferecer, Lady Bird – e o filme, escrito e dirigido por Greta Gerwig, que compartilha seu nome – tem ambivalência correndo em suas veias. Que combinação perfeita: Stephen Sondheim e Greta Gerwig. Poucos cineastas são capazes de capturar o mesmo tipo de ambiguidade e sentimentos mistos que envolvem a recusa em se decidir: veja Bobby, de 35 anos, querendo impulsivamente se casar com um amigo, mas nunca se comprometendo com nenhuma de suas namoradas, em Company ; a “bainha e gaguejar” da Cinderela nos, ah, degraus do palácio; ou o motivo da Sra. Lovett parar de contar a Sweeney seus verdadeiros motivos. Lady Birdnão é tão conceituado quanto muitos dos trabalhos de Sondheim, mas há uma veracidade penetrante no filme, e sem dúvida no trabalho de Gerwig em geral, que faz com que suas ansiedades e ternura reverberem no coração do espectador com igual frequência. —Kyle Turner
2. Monty Python e o Santo Graal
Ano: 1975
Diretores: Terry Gilliam, Terry Jones
Estrelas: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Connie Booth
Gênero: Comédia
Classificação: PG
É uma merda que parte do brilho tenha sido retirado do Santo Graal por sua própria onipresença esmagadora. Hoje em dia, quando ouvimos uma “ferida na carne”, um “ni!” ou “enormes extensões de terra”, nossos primeiros pensamentos são muitas vezes ter cenas completas repetidas para nós por nerds obsessivos e sem noção . Ou, no meu caso, de repetir cenas inteiras para as pessoas como um nerd obsessivo e sem noção. Mas, se você tentar se distanciar do fator de saturação excessiva e revisitar o filme depois de alguns anos, encontrará novas piadas que parecem tão frescas e histéricas quanto as que todos conhecemos. O Santo Graal é, de fato, a comédia mais densa do cânone Python. São tantas piadasneste filme, e é surpreendente a facilidade com que nos esquecemos disso, considerando sua reputação. Se você está verdadeiramente e irreversivelmente esgotado com este filme, assista-o novamente com comentários e descubra o segundo nível de apreciação que vem da inventividade com que foi feito. Certamente não parece um filme de US $ 400.000, e é delicioso descobrir quais das piadas (como as metades do coco) nasceram da necessidade de soluções alternativas de baixo orçamento. A co-direção pela primeira vez do ator Terry Jones (que só dirigiu esporadicamente depois que o Python se separou) e do solitário americano Terry Gilliam (que transformou o estilo cinematográfico de Python em sua própria marca única de fantasia de pesadelo) se move com uma eficiência surreal. —Graham Techler
3.O Irlandês
Ano: 2019
Diretor: Martin Scorsese
Estrelas: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Jesse Plemons, Anna Paquin
Gênero: Crime, Drama
Classificação: R
Peggy Sheeran (Lucy Gallina) observa seu pai, Frank (Robert De Niro), através de uma porta entreaberta enquanto ele arruma sua mala para uma viagem de trabalho. Em calças e camisas, cada uma cuidadosamente dobrada e dobrada contra o interior da bagagem. Entra o revólver de nariz arrebitado, a ferramenta implacável do ofício de Frank. Ele não sabe que os olhos de sua filha estão sobre ele; ela é constitucionalmente quieta e permanece assim durante a maior parte de sua interação como adultos. Ele encerra o caso. Ela desaparece atrás da porta. Seu julgamento perdura. A cena se desenrola em um terço do caminho para o novo filme de Martin Scorsese, O Irlandês, nomeado para a alcunha do mundo da máfia de Frank, e é repetido em sua cena final, quando Frank, velho, decrépito e totalmente, irremediavelmente sozinho, abandonado por sua família e desprovido de seus amigos gângsteres pela passagem do tempo, senta-se em sua cama de asilo. Talvez ele esteja esperando pela Morte, mas provavelmente está esperando por Peggy (interpretada como adulta por Anna Paquin), que o deserdou e não tem intenção de perdoar seus pecados. Peggy serve como árbitro moral de Scorsese. Ela é uma juíza dura: o filme tem uma visão obscura do machismo como expresso no reino da mafiosa e dos bandidos. Quando os personagens principais de Scorsese não estão tramando ou pagando esquemas em atos de violência, eles estão fazendo birras, comendo sorvete ou, em um caso extremo, dando tapas em uma luta desesperadamente patética. Esta cena ecoa cenas igualmente lamentáveis no filme de Akira Kurosawa.Drunken Angel e Rashomon : brigas entre aspirantes a brutos com medo de brigas, mas forçados a isso por sua própria bravura. O Irlandês abrange a década de 1950 até o início dos anos 2000, os anos em que Frank trabalhou para a família criminosa Bufalino, liderada por Russell (Joe Pesci, aposentado e intimidador). “Trabalhar” significa assassinar algumas pessoas, forçar outras, até explodir um carro ou um prédio quando a ocasião o justificar. Quando desvinculado do terrorismo das gangues, ele está em casa lendo o jornal, assistindo ao noticiário, arrastando Peggy para a mercearia local para dar-lhe uma surra por empurrá-la. "Eu só fiz o que você deveria", diz o pobre desgraçado condenado antes de Frank arrastá-lo para a rua e esmagar a mão no meio-fio. O Irlandêsé não-ficção histórica, narrando a vida de Sheeran, e através de sua vida as vidas dos Bufalinos e seus associados, particularmente aqueles que morreram antes de seu tempo (sendo a maioria deles). É também um retrato da infância à sombra da brutalidade desapaixonada, e o que uma jovem deve fazer para encontrar segurança em um mundo definido pelo derramamento de sangue. —Andy Crump
4.Eu não sou seu negro
Ano: 2017
Diretor: Raoul Peck
Gênero: Documentário
Classificação: PG-13
Raoul Peck se concentra no livro inacabado de James Baldwin, Remember This House , uma obra que teria homenageado três de seus amigos, Martin Luther King Jr., Malcolm X e Medgar Evers. Todos os três homens negros foram assassinados com um intervalo de cinco anos, e aprendemos no filme que Baldwin não estava apenas preocupado com essas perdas como golpes terríveis para o movimento dos Direitos Civis, mas também se importava profundamente com as esposas e filhos dos homens que foram assassinado. A dor avassaladora de Baldwin é tanto o tema do filme quanto seu intelecto. E então eu não sou seu negronão é apenas um retrato de um artista, mas um retrato de luto – como é, como parece e como é perder amigos, e fazê-lo com o mundo inteiro assistindo (e com tanto da América se recusando a entender como isso aconteceu, e por que isso vai continuar acontecendo). Peck não poderia ter feito mais nada além de nos dar essa sensação, colocando-nos diretamente na presença de Baldwin, e I Am Not Your Negro provavelmente ainda teria sido um sucesso. Sua decisão de se afastar do formato documental usual, onde mentes respeitadas comentam sobre um assunto, cria uma sensação de intimidade difícil de inspirar em filmes como este. O prazer de sentar com as palavras de Baldwin, e suas palavras sozinhas, é delicioso. Não há intérprete, ninguém para explicar Baldwin além de Baldwin — e é assim que deve ser. —Shannon M. Houston
5. Um Pesadelo na Rua Elm
Ano: 1984
Diretor: Wes Craven
Estrelas: Heather Langenkamp, Robert Englund, John Saxon, Johnny Depp, Ronee Blakley, Amanda Wyss, Nick Corri
Classificação: R
Duração: 91 minutos
Das três grandes franquias de slasher – Halloween , Sexta-feira 13 e esta – é A Nightmare on Elm Street que, sem dúvida, nos presenteou com as parcelas originais mais completas e perfeitamente polidas. Sem dúvida, este é um fator de ser o último a aparecer, já que Wes Craven teve a chance de assistir e ser influenciado pelo carpinteiro taciturno e pelo muito mais desavergonhado e espalhafatoso Cunningham em várias sequências de F13 . O que emergiu desse ensopado de influências foi um assassino que compartilhava a indestrutibilidade de Myers ou Voorhees, mas com um toque do próprio senso de humor demente de Craven. Isso não quer dizer que Freddy Krueger (Robert Englund) seja um comediante – pelo menos não aqui no primeiro Pesadelo ., onde ele é apresentado como uma ameaça séria e genuinamente assustadora, em vez do pastiche auto-parodiado que ele se tornaria em sequências como Final Nightmare - mas sua abordagem alegre em relação ao assassinato e subsequente humor da forca criam uma raça muito diferente de assassino sobrenatural, e um que provou ser extremamente influente nos slashers pós- Pesadelo . A premissa simples do filme de explorar os horrores do sonho e da realidade questionável foi como um presente dos deuses apresentado diretamente aos artistas e cenógrafos, que receberam carta branca para satisfazer suas fantasias e criar cenários memoráveis como nunca visto no horror. gênero a esse ponto. É uma fantasmagoria de humor mórbido e pesadelos. —Jim Vorel
6.Gemas brutas
Ano: 2019
Diretores: Josh Safdie, Benny Safdie
Estrelas: Adam Sandler, Julia Fox, Eric Bogosian
Gênero: Suspense
Classificação: R
O proprietário de uma loja exclusiva no distrito de diamantes de Nova York, Howard Ratner (Adam Sandler) se sai bem para si e sua família, embora não possa deixar de jogar compulsivamente, devendo ao seu cunhado Aron (Eric Bogosian, malévolo viscoso ) um montante substancial. Ainda assim, Howard tem outros riscos para equilibrar - sua folha de pagamento é composta por Demany (Lakeith Stanfield), um localizador de clientes e produtos, e Julia (Julia Fox, um farol inesperado em meio à tempestade em seu primeiro papel), uma balconista com quem Howard está tendo um caso, “mantendo-a” confortável em seu apartamento em Nova York. Exceto a de sua esposa (Idina Menzel, imaculadamente cansada) obviamente cansada de sua merda, e enquanto isso ele tem uma entrega especial vindo da África: uma opala negra, a pedra que conhecemos intimamente na primeira cena do filme, que Howard estima valer milhões . Então, acontece de Demany trazer Kevin Garnett (como ele mesmo, tão completamente adaptado ao tom dos irmãos Safdie) para a loja no mesmo dia em que a opala chega, inspirando uma aposta única na vida para Howard - o tipo que vai enquadrá-lo com Aron e mais alguns - assim como uma série de novas porcarias para acertar. É tudo, sem dúvida, estressante - realmente implacável, dolorosamente estressante - mas os Safdies, em seu sexto filme, parecem prosperar em ansiedade, capturando a inércia da vida de Howard e das inúmeras vidas colidindo com a dele, em toda a sua beleza encorpada. . Pouco antes de um jogo, Howard revela a Garnett seu grande plano para um grande dia de pagamento, explicando que Garnett entende, certo? Que caras como eles estão ligados em algo maior, trabalhando em um comprimento de onda mais alto do que a maioria - que é assim que eles vencem. Ele pode estar em alguma coisa, ou ele pode estar tirando tudo de sua bunda, independentemente, sempre soubemos que Sandler tinha isso nele. Isso pode ser exatamente o que tínhamos em mente.—Dom Sinacola
7. Ela tem que ter
Ano: 1986
Diretor: Spike Lee
Estrelas: Tracy Camila Johns, Spike Lee, John Canada Terrell, Tommy Redmond Hicks
Gênero: Comédia, Romance
Classificação: R
Uma estreia explosivamente franca que anunciou imediatamente a nova e corajosa voz de Lee no cinema americano, She's Gotta Have It , filmado como um documentário, é uma exploração sensata de uma jovem negra chamada Nola (Tracy Camilla Johns) tentando decidir entre seus três amantes masculinos, ao mesmo tempo que flertam com sua aparente bissexualidade, para, antes de tudo, descobrir o que a faz feliz. O que é refrescante no filme é que Lee sempre traz a possibilidade de que “nenhuma das opções acima” seja uma resposta perfeitamente viável tanto para Nola quanto para mulheres solteiras – um divisor de águas em 1986. o realismo direto do filme. —Oktay Ege Kozak
8. Jaqueta de Metal Completa
Ano: 1987
Diretor: Stanley Kubrick
Estrelas: Matthew Modine, Lee Ermey, Vincent D'Onofrio, Adam Baldwin
Classificação: R
É uma opinião não controversa que o valor de Full Metal Jacket se estende até a primeira metade e diminui a partir daí à medida que o filme mergulha na convencionalidade. Mas o segundo capítulo da história de terror de Stanley Kubrick no Vietnã é responsável por criar as convenções pelas quais podemos julgar a imagem em retrospectiva, e até mesmo material convencional entregue por um artista como Kubrick vale a pena assistir: Full Metal Jacket 's back metade é, ao todo, agradavelmente emocionante e sombria, um retrato nu de como a guerra muda as pessoas em contraste com como a cultura militar retratada na metade da frente muda as pessoas. Estar sujeito à degradação rotineiramente quebrará a mente de uma pessoa ao meio. Ser forçado a matar outro humano irá colapsar sua alma. Realmente, não há nada sobreFull Metal Jacket que não funciona ou não faz o ponto de vista de Kubrick, mas também não há como negar o quão indelével é sua sequência pré-guerra, em particular devido ao desempenho imortal de R. Lee Ermey como o sargento de artilharia mais aterrorizante do mundo. - Andy Crump
9. Apocalypse Now Redux
Ano: 1979
Diretor: Francis Ford Coppola
Estrelas: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Dennis Hopper, Laurence Fishburne
Classificação: R
Duração: 206 minutos
Invoquemos Truffaut, porque seu espírito parece tão relevante para uma discussão da sinistra adaptação de O Coração das Trevas , de Joseph Conrad, de Francis Ford Coppola, quanto para uma discussão de um filme de guerra como Caminhos da Glória , e para considerar filmes de guerra em geral. Talvez, se levarmos Truffaut ao pé da letra, Apocalypse Now(e sua versão remasterizada com mais 49 minutos de filmagem que está sendo transmitida na Netflix) não pode deixar de endossar a guerra apenas pelo ato de recriá-la como arte. Talvez isso não impeça o filme de transmitir as teses motrizes de Coppola: a guerra transforma os homens em monstros, os leva a uma descida a um estado de espírito primitivo e sem lei, e a guerra é ela mesma um inferno, uma frase sinistra agora transformada em clichê à força de uso excessivo bruto entre 1979 e hoje. Se o filme sanciona inatamente a guerra pela representação, não sanciona o impacto da guerra na humanidade de seus participantes. Na verdade, Apocalipse Agoracontinua sendo uma das ilustrações mais profundas do efeito corrosivo que a violência sancionada pela nação tem no espírito e na psique de uma pessoa. É fofo que, 40 anos depois, estejamos bem em citar esse filme em comerciais horríveis da AT&T, ou redirecionar seu cenário de época para fazer King Kong acontecer para o público contemporâneo pela segunda vez, mas não há nada fofo, ou mesmo tudo que citável, sobre isso. Apocalypse Now queima, adoece e deixa cicatrizes, marcando-se em nossas memórias como apenas as mais sombrias demonstrações de depravação humana podem realmente. —Andy Crump
10. Segue
Ano: 2015
Diretor: David Robert Mitchell
Estrelas: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe
Gênero: Horror
Classificação: R
O espectro de Old Detroit assombra It Follows . Em uma barraca de sorvete em ruínas na 12 Mile, nas casas de fazenda dos anos 60 de Ferndale ou Berkley, em um jogo de Parcheesi jogado por adolescentes pálidos com acentos nasais e nada - se você nunca esteve, nunca reconheceria a nostalgia obsoleta e cinzenta rastejando em todos os cantos do filme aterrorizante de David Robert Mitchell. Mas está lá, e parece SE Michigan. A música, a paleta de cores suave, mas estranhamente suntuosa, o anacronismo incessante: apenas no estilo, Mitchell é um autor que aparentemente emergiu totalmente formado do útero doentio da região metropolitana de Detroit. Ciclos e círculos preenchem concentricamente It Follows, desde as regras particularmente insulares do enredo de terror do filme, até a redondeza juvenil e carnuda dos rostos e corpos desse pequeno grupo de personagens principais, nunca deixando o público esquecer que, em muitos aspectos, essas pessoas ainda são crianças. Em outras palavras, Mitchell é claro sobre sua história: isso já aconteceu antes e acontecerá novamente. Tudo isso não funcionaria se Mitchell estivesse menos preocupado em criar um filme genuinamente enervante, mas cada floreio estético, cada panela totalmente circular é escrava de dar vida mórbida a uma única imagem: alguém, qualquer um se separando lentamente do fundo, do próprio pesadelos e caminhando em sua direção, como se a própria Morte aparecesse sem ser anunciada ao seu lado em público, pronta para roubar seu fôlego com pouca ou nenhuma calma. Inicialmente, Todo o conceito de Mitchell – passar uma assombração através da relação sexual – parece enterrar a política sexual conservadora sob os típicos tropos de filmes de terror, proclamando ser um filme de gênero progressivo quando funcionalmente não faz nada para promover nossas ideias de slasher. Você fornica, você encontra punição por seu pecado flagrante e sem amor, certo? (O filme tem mais em comum com um baseado de Judd Apatow do que você esperaria.) Em vez disso, Mitchell nunca julga seus personagens por fazer o que praticamente todo adolescente quer fazer; ele simplesmente desnuda, através de uma alegoria complexa, as realidades do sexo adolescente. Não há nenhuma implicação de princípio por trás da intenção de Mitchell; a conclusão fria da relação sexual é que, de alguma forma, você está compartilhando um certo grau de sua fisicalidade com todos com quem seu parceiro compartilhou o mesmo.Segue -se do reino do jogo moral disfarçado em um conto de amadurecimento assustador doentio. Da mesma forma, Mitchell inerentemente entende que não há praticamente nada mais estranho do que o comum um pouco fora de ordem, confiando o verdadeiro horror do filme aos truques que nossas mentes pregam quando nos esquecemos de verificar nossa periferia. It Follows é um filme que prospera nas fronteiras, não tanto sobre o horror que salta à sua frente, mas a ansiedade mais profunda que espera à beira da consciência - até que, um dia em breve, esteja lá, lembrando você de que seu o tempo é limitado, e que você nunca estará seguro. Esqueça os riscos do sexo na adolescência, It Follows é uma metáfora penetrante para crescer. —Dom Sinacola
11. Bonnie e Clyde
Ano: 1967
Diretor: Arthur Penn
Estrelas: Warren Beatty, Faye Dunaway, Michael J. Pollard, Gene Hackman
Classificação: R
Duração: 111 minutos
Houve um curto período na história do cinema americano logo após o público em geral se cansar dos dramas e comédias mundanos e enjoativos dos anos 60, mas antes que os estúdios descobrissem os benefícios lucrativos de franquias como Tubarão e Guerra nas Estrelas, que poderiam empilhar sequência após sequência, arrecadar lucros de mercadorias e garantir um fluxo constante de muito dinheiro, independentemente do mérito artístico. Nesse pequeno intervalo estranho, os executivos do estúdio não tiveram ideia melhor do que simplesmente jogar dinheiro em diretores talentosos e esperar ter sorte. Filmes como Bonnie e Clyde , de Arthur Penn, possuem um tipo de realismo corajoso que é tão inteligente e sábio quanto a Nouvelle Vague francesa, mas infundido com o espírito americano livre que ainda não havia sido sufocado por uma agenda corporativa.—Shane Ryan
12.Um filme policial
Ano: 2021
Diretor: Alonso Ruizpalácios
Gênero: Documentário
Classificação: R
Duração: 107 minutos
Das muitas fotos impressionantes capturadas no híbrido de ficção documental A Cop Movie, um transmite a essência do exame do diretor Alonso Ruizpalácios da força policial do México como nenhum outro. Depois de amarrar o pulso a um longo e frágil pedaço de corda, a estagiária da academia de polícia Teresa se prepara para pular de uma plataforma de mergulho de 30 pés em uma piscina. É o último desafio que ela deve superar para se formar – o de “decisão” – mas representa uma enorme ameaça à sua vida, pois ela não pode nadar, seu provável destino de se afogar insensivelmente neutralizado mantendo o pulso amarrado à terra. Curiosamente, Teresa acaba sendo menos um tema documental e mais um avatar para Ruizpalácios pesquisar a perspectiva civil da força policial do país. Apresentada como o honesto tema central de quase metade do filme, Teresa (que ébaseado em uma pessoa real) acaba sendo interpretada pela atriz Monica del Carmen, que habilmente se moldou à imagem da oficial da vida real, reencenando memórias de seus dias como aluna da academia para seus problemas mais recentes no local de trabalho patrulhando as ruas do México Cidade. Ao lado dela está o colega ator Raúl Briones, que interpreta Montoya (também um cara de verdade), a segunda metade da dupla apelidada de “patrulha do amor” por outros policiais devido ao relacionamento de paquera como parceiros. Embora inicialmente se apresentem como dois oficiais simplesmente fazendo o seu melhor dentro de um sistema em ruínas, a segunda metade do filme deixa claro que esses sentimentos são apenas as projeções tendenciosas de seus colegas da vida real. Ao elaborar cuidadosamente essa ilusão e, em seguida, desvendar furtivamente a hipocrisia por trás dela, A Cop Movieé sutil, mas audacioso em sua acusação de corrupção policial e os policiais individuais que compram isso - suas boas intenções que se danem. —Natália Keogan
13. O Discípulo
Ano: 2021
Diretor: Chaitanya Tamhane
Estrelas: Aditya Modak, Arun Dravid, Sumitra Bhave
Classificação: TV-MA
Duração: 128 minutos
Dedicar sua vida a algo – arte, paixão, religião – é vendido para nós como admirável, mas muitas vezes apenas se cumprir nossos ideais românticos de como é essa vida. O sucesso, não importa quão tardio ou mesmo póstumo, é a justificativa para o esforço? O escritor/diretor/editor Chaitanya Tamhane explora essa ideia através da vida do cantor clássico indiano Sharad Nerulkar (Aditya Modak), um sério linha-dura criado por seu pai amante da música e gravações do lendário cantor/guru Maai (Smitra Bhave). Ele será reconhecido pela grandeza, saindo das sombras? Ou ele seguirá seu pai na obscuridade tangencial? Fascinantes tomadas longas ressoando com o mesmo tipo de riqueza encontrada em sua miríade de taan ondulante de cantores nos permitem muito espaço para absorver a música e a devoção em exibição; focado, humor negro pontua o filme contemplativo com golpes de teimosia. O excelente desempenho do Modok contém profundidade semelhante, tudo escondido atrás de uma tensão ansiosa e um olhar inabalável. Ele encarna o artista insatisfeito, aquele que vê o sucesso ao seu redor de tolos e caipiras - embora ele não possa considerar o que poderia estar impedindo-o. É um desempenho comovente, cativante e espinhoso, e que cria um retrato verdadeiramente vencedor. Mesmo quando rola tão firme e desapaixonadamente quanto a motocicleta de Sharad, desempenho cativante e espinhoso e que cria um retrato verdadeiramente vencedor. Mesmo quando rola tão firme e desapaixonadamente quanto a motocicleta de Sharad, desempenho cativante e espinhoso e que cria um retrato verdadeiramente vencedor. Mesmo quando rola tão firme e desapaixonadamente quanto a motocicleta de Sharad,The Disciple contém calor para seu artista central e sua dedicação em nunca se vender.— Jacob Oller
14. O Mestre
Ano: 2012
Diretor: Paul Thomas Anderson
Estrelas: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Laura Dern
Gênero: Drama
Classificação: R
O Mestre estuda seus personagens com tamanha mística, tragédia e humor que não há um momento que não seja apaixonante. O escritor/diretor Paul Thomas Anderson continua algumas das tendências estilísticas de seu último filme, There Will Be Blood, mas ele também encontra maneiras de assumir riscos constantemente e fazer escolhas ousadas que são completamente imprevisíveis. Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) e sua religião, A Causa, são obviamente inspirados por L. Ron Hubbard e Scientology, e essa ligação foi o ponto focal da cobertura da imprensa de pré-lançamento do filme. Os paralelos entre as duas ideologias são inevitáveis, mas não são o ponto. Anderson nunca adota o ponto de vista da religião/culto como um show de horrores. Mesmo em uma montagem brilhante que descreve uma série de exercícios extenuantes que Freddie (Joaquin Phoenix) não pode ou não deixa esclarecê-lo, a luta pessoal está em primeiro plano. A bizarrice dos rituais é quase incidental. Phoenix dá o desempenho de sua carreira como um veterano da Segunda Guerra Mundial encharcado de álcool com cicatrizes mentais e físicas. Tendo obtido poucos benefícios de um curso intensivo psiquiátrico para soldados que retornam com problemas pós-traumáticos, ele tropeça em um lugar até que ele deve fugir para outro, obcecado por sexo e fazendo bebida experimental. Anderson sempre foi um virtuoso visual, e ele usa os detalhes adicionados para um efeito soberbo. Dodd aparece pela primeira vez durante uma foto de rastreamento de Freddie, visto à distância como uma figura minúscula, mas exuberante em um navio de cruzeiro, pequeno, mas ainda o centro das atenções. Freddie ainda não conheceu Dodd, mas o barco está chamando por ele. Isso pode ser porque Dodd conheceu Freddie em uma vida passada, ou pode ser porque Freddie é um bêbado desesperado procurando um lugar para se esconder. A grande tragédia de Freddie é que a explicação menos atraente não lhe dá resposta, enquanto a outra lhe dá a resposta errada. — obcecada por sexo e fazendo bebida experimental. Anderson sempre foi um virtuoso visual, e ele usa os detalhes adicionados para um efeito soberbo. Dodd aparece pela primeira vez durante uma foto de rastreamento de Freddie, visto à distância como uma figura minúscula, mas exuberante em um navio de cruzeiro, pequeno, mas ainda o centro das atenções. Freddie ainda não conheceu Dodd, mas o barco está chamando por ele. Isso pode ser porque Dodd conheceu Freddie em uma vida passada, ou pode ser porque Freddie é um bêbado desesperado procurando um lugar para se esconder. A grande tragédia de Freddie é que a explicação menos atraente não lhe dá resposta, enquanto a outra lhe dá a resposta errada. — obcecada por sexo e fazendo bebida experimental. Anderson sempre foi um virtuoso visual, e ele usa os detalhes adicionados para um efeito soberbo. Dodd aparece pela primeira vez durante uma foto de rastreamento de Freddie, visto à distância como uma figura minúscula, mas exuberante em um navio de cruzeiro, pequeno, mas ainda o centro das atenções. Freddie ainda não conheceu Dodd, mas o barco está chamando por ele. Isso pode ser porque Dodd conheceu Freddie em uma vida passada, ou pode ser porque Freddie é um bêbado desesperado procurando um lugar para se esconder. A grande tragédia de Freddie é que a explicação menos atraente não lhe dá resposta, enquanto a outra lhe dá a resposta errada. — visto à distância como uma figura minúscula, mas exuberante em um navio de cruzeiro, pequena, mas ainda o centro das atenções. Freddie ainda não conheceu Dodd, mas o barco está chamando por ele. Isso pode ser porque Dodd conheceu Freddie em uma vida passada, ou pode ser porque Freddie é um bêbado desesperado procurando um lugar para se esconder. A grande tragédia de Freddie é que a explicação menos atraente não lhe dá resposta, enquanto a outra lhe dá a resposta errada. — visto à distância como uma figura minúscula, mas exuberante em um navio de cruzeiro, pequena, mas ainda o centro das atenções. Freddie ainda não conheceu Dodd, mas o barco está chamando por ele. Isso pode ser porque Dodd conheceu Freddie em uma vida passada, ou pode ser porque Freddie é um bêbado desesperado procurando um lugar para se esconder. A grande tragédia de Freddie é que a explicação menos atraente não lhe dá resposta, enquanto a outra lhe dá a resposta errada. —Jeremy Matthews
15. Bruto
Ano: 2016
Diretor: Julia Ducournou
Estrelas: Garance Marillier, Ella Rumpf, Laurent Lucas
Gênero: Horror
Classificação: R
Duração: 99 minutos
Se você é o orgulhoso dono de um senso de humor distorcido, você pode dizer a seus amigos que Raw de Julia Ducournau é um “filme de amadurecimento” em uma tentativa de enganá-los para vê-lo. Sim, a protagonista do filme, a ingênua estudante universitária Justine (Garance Marillier), amadurece ao longo de seu tempo de execução; ela festeja, ela sai de sua concha e aprende sobre quem ela realmente é como uma pessoa à beira da idade adulta. Mas a maioria das crianças que atinge a maioridade nos filmes não percebe que passou a vida involuntariamente suprimindo uma necessidade inata e quase insaciável de consumir carne crua. “Ei”, você está pensando, “esse é o nome do filme!” Você tem razão! Isso é! Permita a Ducournau sua insolência. Mais do que uma piscadela e um aceno para os detalhes viscerais da imagem, Rawé uma concessão aberta à qualidade angustiante do desabrochar sombrio de Justine. Por mais desagradável que o filme seja, e de fato fica desagradável, as sensações mais duras que Ducournau articula aqui tendem a ser aquelas que não podemos detectar apenas olhando: Medo da sexualidade feminina, legados familiares, política de popularidade e incerteza de autogoverno . horrores tanto quanto a carne exposta e sangrenta. É um gorefest que não oferece desculpas e muito mais para mastigar do que seus efeitos. —Andy Crump
16.Da 5 Sangue
Ano: 2020
Diretor: Spike Lee
Estrelas: Clarke Peters, Delroy Lindo, Norman Lewis, Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors
Gênero: Drama
Classificação: R
A caça ao ouro enterrado não termina bem nem termina sem problemas. O longo caminho para a reconciliação, seja com o trauma, a família ou a identidade nacional, nunca é sem obstáculos. Cole essas verdades junto com os efeitos do racismo institucional, adicione inúmeras referências à história – história americana, história da música, história do cinema – e você terá Da 5 Bloods de Spike Lee , um filme de ação do Vietnã de estilo clássico feito em sua visão cinematográfica. Como em BlackKkKlansman de 2018, Lee conecta os pontos entre o passado e o presente, ligando a luta pelos direitos civis expressa em objeção de consciência e protesto à própria luta da América contemporânea contra o fascismo sancionado pelo Estado. Depois de abrir com uma montagem de eventos e figuras que se manifestam contra a Guerra do Vietnã, referida predominantemente como a Guerra Americana durante o resto do filme, Lee apresenta quatro dos cinco sangues: Otis (Clarke Peters), Paul (Delroy Lindo) , Eddie (Norm Lewis) e Melvin (Isiah Whitlock Jr.), veteranos do Vietnã vinculados retornaram à cidade de Ho Chi Minh ostensivamente para encontrar e recuperar os ossos de seu líder de esquadrão caído, Norman (Chadwick Boseman). Há mais, é claro, “mais” sendo cerca de US$ 17 milhões em barras de ouro plantadas em solo vietnamita, propriedade da CIA, mas reapropriada pelos Bloods como reparação por seu sofrimento pessoal como homens lutando uma guerra por um país governado por pessoas que não se importam com seus direitos. Lee está no auge de seus poderes ao defender sem rodeios que, pelo tempo que passou desde a conclusão da Guerra do Vietnã, a América ainda está teimosamente travando as mesmas guerras contra seu próprio povo e, por falar nisso, o resto do mundo. E Lee ainda está zangado e descontente com o status quo, sendo a opressão contínua dos negros americanos através da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Nesse contexto, A América ainda está teimosamente travando as mesmas guerras contra seu próprio povo e, por falar nisso, contra o resto do mundo. E Lee ainda está zangado e descontente com o status quo, sendo a opressão contínua dos negros americanos através da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Nesse contexto, A América ainda está teimosamente travando as mesmas guerras contra seu próprio povo e, por falar nisso, contra o resto do mundo. E Lee ainda está zangado e descontente com o status quo, sendo a opressão contínua dos negros americanos através da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Nesse contexto,A amplitude de Da 5 Bloods é quase necessária. Como Paulo diria: Certo. - Andy Crump
17.Rastejar
Ano: 2014
Diretor: Patrick Brice
Estrelas: Mark Duplass, Patrick Brice
Gênero: Horror
Classificação: R
Creep é um pequeno filme de terror indie um tanto previsível, mas alegremente demente, a estreia na direção de Brice, que também lançou The Overnight deste ano . Estrelando o sempre prolífico Mark Duplass, é um estudo de personagem de dois homens - cinegrafista ingênuo e recluso não tão secretamente psicótico, o último dos quais contrata o primeiro para documentar sua vida em uma cabana na floresta. Ele se apóia inteiramente em seus desempenhos, que são excelentes. Duplass, que pode ser charmoso e excêntrico em algo como Segurança Não Garantida, brilha aqui como o lunático perturbado que se força a entrar na vida do protagonista e assombra todos os seus momentos de vigília. Os primeiros momentos de vai-e-vem entre o par crepitam com uma espécie de intensidade estranha. Qualquer pessoa com experiência no gênero, sem dúvida, verá para onde está indo, mas é um passeio bem elaborado que tem sucesso na força da química entre seus dois protagonistas principais de uma maneira que me lembra as cenas entre Domhnall Gleeson e Oscar Isaac em Ex Machina . —Jim Vorel
18. A Conjuração
Ano: 2013
Diretor: James Wan
Estrelas: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Ron Livingston, Lili Taylor
Gênero: Horror
Classificação: R
Que fique claro: James Wan é, em qualquer estimativa justa, um diretor de filmes de terror acima da média , no mínimo. O progenitor de séries de grande dinheiro como Saw e Insidious tem um talento especial para criar horror populista que ainda carrega um traço de sua própria identidade artística, um presente Spielbergiano para o que fala ao público multiplex sem sacrificar inteiramente a caracterização. Vários de seus filmes ficam fora do top 100, se essa lista for expandida, mas Invocação do Mal não pode ser negado como o representante de Wan porque é de longe o mais assustador de todos os seus filmes. Lembrando-me da experiência de ver Atividade Paranormal pela primeira vez em um multiplex lotado,The Conjuring tem uma maneira de subverter quando e onde você espera que os sustos cheguem. Sua história de casa/possessão assombrada não é nada que você não tenha visto antes, mas poucos filmes nesta obra nos últimos anos tiveram metade do estilo que Wan transmite em uma fazenda velha e rangente em Rhode Island. O filme brinca com as expectativas do público, lançando grandes sustos em você sem os acúmulos padrão de Hollywood Jump Scare, evocando simultaneamente histórias clássicas de fantasmas da era de ouro, como The Haunting , de Robert Wise . Sua intensidade, trabalho de efeitos e natureza implacável o colocam vários níveis acima do horror PG-13 contra o qual estava competindo principalmente. É interessante notar que The Conjuringna verdade, recebeu uma classificação “R”, apesar da falta de “violência” aberta, sangue ou sexualidade. Era simplesmente assustador demais para negar, e isso é digno de respeito. —Jim Vorel
19. Ip Man
Ano: 2008
Diretor: Wilson Yip
Estrelas: Donnie Yen, Lynn Hung, Dennis To, Syun-Wong Fen, Simon Yam, Gordon Lam
Gênero: Ação
Classificação: R
Ip Man , de 2008, marcou, finalmente, o momento em que Donnie Yen, verdadeiramente excelente, mas nunca considerado de maneira justa, se destacou, interpretando uma versão vagamente biográfica do lendário grande mestre de Wing Chung e professor de vários futuros mestres de artes marciais (um dos quais foi Bruce Lee). Em Foshan (uma cidade famosa pelas artes marciais no sul/centro da China), um praticante despretensioso de Wing Chung tenta resistir à invasão e ocupação japonesa da China em 1937 pacificamente, mas acaba sendo forçado a entrar em ação. Ação de quebrar membros e pulverizar rostos preenche este filme semi-histórico, que tem um sucesso glorioso tanto como drama convincente quanto como isca para fãs de artes marciais. — K. Alexander Smith
20.A Filha Perdida
Ano: 2021
Diretor: Maggie Gyllenhaal
Estrelas: Olivia Colman, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Oliver Jackson-Cohen, Peter Sarsgaard, Ed Harris
Gênero: Drama
Classificação: R
Duração: 124 minutos
Na praia, a estudiosa de literatura comparada Leda (Olivia Colman) descansa em The Lost Daughter, os céus são de um azul cristalino, as praias de um branco cintilante, a água morna e translúcida. Mas a costa também está infestada de pessoas grosseiras e barulhentas; Fruto de Leda infectado por uma podridão maligna; seu quarto contaminado com insetos estridentes; uma boneca de menina corrompida por um líquido preto nocivo e insetos se contorcendo. Essa tensão tonal é sintomática do espírito do filme: é uma maçã brilhante, decaindo rapidamente de dentro para fora. O filme se passa em alguns dias, enquanto Leda se acomoda em férias luxuosas de trabalho. Seu relaxamento é interrompido, no entanto, quando ela põe os olhos em Nina (Dakota Johnson), uma jovem mãe linda e inescrutável. Leda fica obcecada por Nina, que inadvertidamente ressurge memórias perturbadoras das próprias experiências angustiantes de Leda como mãe. Daquele momento em diante, as memórias assombrosas de Leda permeiamA Filha Perdidaaté a maçã ficar completamente preta. Embora a narrativa em si, adaptada do romance homônimo de Elena Ferrante de 2006, seja relativamente direta, a diretora de estreia Maggie Gyllenhaal, que também escreveu o roteiro, aborda temas de sexismo internalizado e externalizado com agilidade e complexidade. O estado mental sutil e complexo de Leda não teria sido possível transmitir se não fosse pela notável sensibilidade visual de Gyllenhaal. As lutas de Leda são em grande parte internas, mas estou confiante de que a narrativa tátil única de Gyllenhaal diz muito mais do que palavras jamais poderiam. Quando Leda acaricia a boneca suja de Elena, seu toque é gentil e de alguma forma cheio de arrependimento. Quando ela desliza um alfinete no chapéu de Nina, soa sinistro como uma espada sendo desembainhada, mas seu posicionamento cuidadoso é quase sensual. E quando uma Leda mais jovem corta a polpa de uma laranja, sua escultura suave e delicada quase parece sinistra. A direção extraordinária de Gyllenhaal, combinada com performances excepcionais deAs atrizes principais de A Filha Perdida culminam em uma tempestade perfeita que produz um retrato astuto das dolorosas expectativas da feminilidade.— Aurora Amidon
21. Perdi meu corpo
Ano: 2019
Diretor: Jérémy Clapin
Estrelas: Hakim Faris Hamza, Victoire Du Bois, Patrick d'Assumçao
Gênero: Animação, Drama
Classificação: TV-MA
Duração: 81 minutos
Enquanto estamos a bordo, pelo menos passivamente, por quantas sequências a Pixar quiser dar Toy Story , paciente por quanto tempo outro demorar, eu perdi meu corpoé um filme de animação singular, cada vez mais do tipo que, francamente, não se faz mais. Em parte porque recursos desenhados à mão feitos por pequenos estúdios são mais raros do que nunca, mas principalmente porque é um filme de animação desafiadoramente adulto, envolto em narrativas oblíquas e mergulhado em tristeza. Ostensivamente sobre uma mão antropomórfica subindo e deslizando pela cidade para encontrar a pessoa a quem estava ligada – a história de seu corte vindo lentamente à luz – a beleza das imagens do diretor Jérémy Clapin, muitas vezes delineadas em sujeira e decadência, é em quão reveladoras elas podem ser quando ligadas tão irrevogavelmente à perspectiva de uma pequena mão navegando tanto em sua vida nascente no traiçoeiro subterrâneo urbano quanto nas memórias traumáticas do passado de seu corpo hospedeiro. Perdi meu corpoé uma conquista despretensiosa e silenciosamente comovente, que a Academia precisa priorizar agora mais do que nunca sobre a esperada competência dos grandes estúdios. —Dom Sinacola
22. Cristina
Ano: 2016
Diretor: Antonio Campos
Estrelas: Rebecca Hall, Michael C. Hall, Tracy Letts, Maria Dizzia, J. Smith-Cameron, John Cullum, Timothy Simons
Gênero: Drama
Classificação: R
Por que a jornalista de TV Christine Chubbuck tirou sua vida diante das câmeras em 1974? O brilhantismo deste drama de Antonio Campos é que ele tenta responder a essa pergunta respeitando a enormidade e incognoscibilidade de um ato tão violento e trágico. Rebecca Hall é importante como Christine, uma mulher profundamente infeliz cuja ambição nunca correspondeu ao seu talento, e a atriz é incrivelmente simpática no papel. À medida que nos aproximamos da morte inevitável de Christine, passamos a entender que Christine não é um criminoso mórbido, mas sim um olhar compassivo sobre a desigualdade e a solidão de gênero. — Tim Grierson
23.Culpa!
Ano: 2017
Diretor: Hiroyuki Seshita
Estrelas: Sora Amamiya, Kana Hanazawa, Takahiro Sakurai
Gênero: Anime, Sci-fi
Classificação: TV-14
Quando se trata de ficção científica industrial sombria, Tsutomu Nihei é um visionário. Formado como arquiteto antes de seguir carreira como autor de mangá, a arte de Nihei é simultaneamente esparsa e labiríntica, seu corpo de trabalho definido por uma obsessão unificadora por espaços inventados. Fábricas bizantinas com toques góticos que atravessam abismos impossíveis, povoados por synthoids de pernas arqueadas e predadores macabros divulgando espadas de osso serrilhadas e armas de cartilagem pulsantes. Sua primeira e mais famosa série, Blame!, é considerado o texto chave no legado estético de Nihei, chegando a inspirar tudo, desde videogames, música e até arte e moda. Tentativas anteriores foram feitas para adaptar a série em um anime, embora nenhuma tenha sido capaz de se materializar com sucesso. Ou seja, até agora. Com o apoio da Netflix, Hiroyuki Seshita da Polygon Pictures entregou aquele tão esperado Blame! filme. Situado em um futuro distante da Terra consumido por uma superestrutura maciça e auto-replicante conhecida como 'A Cidade', Blame!segue Killy, um solitário taciturno, vagando pelas camadas do planeta em busca de um humano que possua o 'gene terminal líquido', uma característica indescritível que se acredita ser o único meio de deter a perpétua expansão hostil da cidade. Com um roteiro escrito por Sadayuki Murai, famoso por sua escrita em séries como Cowboy Bebop e Perfect Blue de Satoshi Kon, e supervisionado pelo próprio Nihei, o filme de Seshita abrevia muitos dos primeiros capítulos do mangá e simplifica a história em um assunto totalmente mais narrativo e de ação. O diretor de arte Hiroshi Takiguchi habilmente replica a estética distinta de Nihei, alcançando em cores o que antes era apenas monocromático, enquanto Yuki Moriyama melhora habilmente os designs de personagens uniformes do original, transmitindo a seus elencos traços e silhuetas distintos e facilmente identificáveis que melhoram muito a análise da história . Culpa! é uma adaptação tão fiel quanto possível e uma introdução à série tão adequada quanto o próprio mangá. Culpa!constrói um forte argumento por ser não apenas um dos filmes de anime mais conceitualmente divertidos dos últimos tempos, mas também por ser um dos, se não o melhor filme de anime original a agraciar a Netflix em muito tempo. — Toussaint Egan
24. Gângster Americano
Ano: 2007
Diretor: Ridley Scott
Estrelas: Denzel Washington, Russell Crowe, Chiwetel Ejiofor, Cuba Gooding Jr., Josh Brolin
Classificação: R
Duração: 156 minutos
Com American Gangster , Ridley Scott volta ao estilo mais comedido de filmagem evidenciado em seu documento de ficção científica Blade Runner .. As habilidades de construção de mundo do diretor, nunca em dúvida, estão em plena exibição enquanto ele recria o Harlem de meados dos anos 70. Mas sua narrativa mais uma vez prioriza o personagem sobre a ação rápida. Denzel Washington e Russell Crowe, com a ajuda de um talentoso elenco coadjuvante, iluminam a peça deste ator, transformando em um deleite do público após o outro. Washington é Frank Lucas, que já foi o braço direito de um senhor do crime do Harlem e, eventualmente, o traficante de heroína mais poderoso e independente da cidade de Nova York. Criminoso ou não, Lucas define o sonho americano. Crowe é Ritchie Roberts, um policial honesto demais com licença para criar uma unidade antidrogas independente, e ele submerge em Roberts, exibindo suas consideráveis habilidades em cada quadro. Enquanto isso, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, Ted Levine e Armand Assante contribuem com uma força e credibilidade únicas. Scott até faz TI e RZA parecerem atores. Mas o filme pertence a Washington e Crowe; o primeiro frio e ameaçador, o último caído e desgrenhado. Quando eles finalmente colidem, o filme acelera. Do começo ao fim,American Gangster crepita com apenas performances que fazem cinema de gênero parecer arte.— Russ Fischer
25. Tropas Estelares
Ano: 1997
Diretor: Paul Verhoeven
Estrelas: Casper Van Dien, Dina Meyer, Denise Richards, Jake Busey, Clancy Brown, Neil Patrick Harris
Classificação: R
Duração: 129 minutos
Brilhante agitprop especial depois da escola e bacanal nojento, Tropas Estelares de Paul Verhoevendeleita-se com a ultraviolência que distribui em jatos pesados - mas depois se castiga por se divertir tanto com algo tão errado. Contando a história de um grupo de adolescentes brancos de classe média alta extremamente atraentes (interpretados por adultos brilhantes Casper Van Dien, Denise Richards, Nina Meyers, Jake Busey e Neil Patrick Harris) que têm suas cerejas estouradas e depois moídas em hambúrguer dentro do matadouro de guerra interestelar, Verhoeven cruza os muitos tons de cinema belicoso: propaganda hawkish, cenas de ação corajosas e sequências de aventura emocionantes, tudo isso acompanhado por uma abundância de CGI de revirar o intestino, insetos espaciais gigantes e cabeças humanas explodindo sem vergonha ou recurso ou respeito pela física básica e empatia humana. Tanto um derramamento de sangue do trauma de infância de Verhoeven, forjado no moinho fascista da Segunda Guerra Mundial na Europa,—Dom Sinacola
26. Dick Johnson está morto
Ano: 2020
Diretor: Kirsten Johnson
Estrelas: Kirsten Johnson, Dick Johnson
Gênero: Documentário
Classificação: PG-13
Se todo grande documentário é sobre a responsabilidade da observação, então Cameraperson de Kirsten Johnson também é sobre a fragilidade dessa observação. Com seu acompanhamento, Dick Johnson está morto, Johnson continua a interrogar essa fragilidade, elaborando uma ode profundamente pessoal àquilo sobre o qual ela não tem controle: a morte de seu pai. Ajuda que Dick Johnson seja uma alma melíflua, um homem incessantemente caloroso e radiante cercado por amigos, colegas e conhecidos que todos uniformemente, genuinamente o amam, mas desde as cenas iniciais, Johnson deixa claro que a natureza maravilhosa de seu pai só fará dizer adeus a ele muito mais difícil. E o momento em que ela deve fazer isso se aproxima cada vez mais. Seu ímpeto, ela reconhece relutantemente, é parcialmente egoísta quando ela decide ajudar a informar seu pai sobre o fim de sua vida, reencenando em pródiga vinhetas cinematográficas as muitas maneiras pelas quais ele poderia sair, de um aparelho de ar condicionado caindo 2 × 4 no rosto, no seu tombo das escadas, repleto de pescoço quebrado. Quanto mais Johnson se perde no projeto, gastando mais esforço consultando dublês e diretores de arte e vários membros da equipe do que seu próprio pai (sentado pacificamente no set, geralmente cochilando, nunca sendo um incômodo), mais ela percebe que pode ser explorar alguém que ela ama - alguém que está começando a mostrar os sinais alarmantes de demência e não consegue mais entender completamente o alto conceito com o qual ele concordou - para aliviar sua própria ansiedade. À medida que a memória de seu pai se dissipa junto com sua capacidade de cuidar de si mesmo, quanto mais ela percebe que pode estar explorando alguém que ama - alguém que está começando a mostrar os sinais alarmantes de demência e não consegue mais compreender plenamente o conceito elevado com o qual ele concordou - para aliviar sua própria ansiedade. À medida que a memória de seu pai se dissipa junto com sua capacidade de cuidar de si mesmo, quanto mais ela percebe que pode estar explorando alguém que ama - alguém que está começando a mostrar os sinais alarmantes de demência e não consegue mais compreender plenamente o conceito elevado com o qual ele concordou - para aliviar sua própria ansiedade. À medida que a memória de seu pai se dissipa junto com sua capacidade de cuidar de si mesmo,Dick Johnson está morto atende menos à necessidade de Dick de preservar algum senso de imortalidade do que à necessidade de sua filha, toda a nossa necessidade, de deixar ir. —Dom Sinacola
27. Tangerina
Ano: 2015
Diretor: Sean Baker
Estrelas: Alla Tumanian, Mya Taylor, Karren Karagulian
Classificação: R
Duração: 87 minutos
Um dos melhores do cineasta Sean Baker, TangerineA fábula de prostitutas de Natal navegando pelo amor e pela perda em Hollywood é tudo pelo que o grande indie é conhecido: íntimo, caloroso, bobo, sincero e apenas desleixado. Filmado inteiramente em iPhones, este filme de férias subversivo celebra a família encontrada em lojas de donuts, lavanderias e banheiros de bar. Isso nos lembra que, às vezes, o melhor presente de todos é um amigo que lhe empresta sua peruca enquanto a sua está lavando. Kitana Kiki Rodriguez e Mya Taylor carregam o filme em toda a sua complexidade emocional e tonal, enquanto o interesse compassivo de Baker por pessoas fora das margens faz com que o estilo de guerrilha do filme pareça mais amoroso do que explorador. Abordando seus assuntos com empatia e dando-lhes tanto espaço para nos sugar em seu mundo, está totalmente dentro do espírito natalino – mesmo que um encontro sexual no lava-jato possa não ser tão saudável quanto algo de Jimmy Stewart. Mas para um certo tipo de pessoa, e paraO tipo muito certo de amizade de Tangerine , “Feliz véspera de Natal, cadela” é tudo o que precisa ser dito. —Jacob Oller
28.Desculpe incomodá-lo
Ano: 2018
Diretor: Boots Riley
Estrelas: Lakeith Stanfield, Tessa Thompson, Armie Hammer, Stephen Yeun, Patton Oswalt, David Cross, Terry Crews, Danny Glover
Classificação: R
Duração: 105 minutos
Desculpe incomodá-lo tem tantas ideias saindo de cada costura, tanta ambição, tanta coisa que quer dizer com tanta urgência, que parece quase grosseiro apontar que o filme acaba ficando gloriosamente fora de controle. Este é o primeiro filme do rapper e produtor Boots Riley, e mostra, de todas as formas possíveis – boas, ruins, incríveis, ridículas – como se ele não soubesse se algum dia seria capaz de fazer outro, então ele jogou todos os idéia que ele já teve para isso. Há momentos em Desculpe Incomodá-loque vai fazer você querer pular vertiginosamente pelo teatro. Há também momentos que farão você se perguntar quem no mundo deu uma câmera a esse lunático. (Alguns desses momentos também são bastante vertiginosos.) O primeiro supera em muito o último. Lakeith Stanfield interpreta Cassius, um cara de bom coração que sente que sua vida está se afastando dele e, assim, tenta o telemarketing, falhando (numa série de cenas fantásticas em que sua mesa literalmente cai nas casas de quem quer que ele está discando) até que um colega (Danny Glover, interessante até que o filme o derrube completamente) recomende que ele use sua “voz branca” nas ligações. De repente, Stanfield soa exatamente como David Cross em sua forma mais nasalada e se tornou uma superestrela na empresa, o que o leva “para cima”, onde “superchamadas” como ele vão atrás das lideranças de Glengarry. Esse é apenas o ponto de partida: por toda parte, encontramos um empresário do tipo Tony Robbins (Armie Hammer) que também pode ser um comerciante de escravos, a namorada artista radical de Cassius (Tessa Thompson), que usa brincos com tantos lemas que é uma maravilha que ela pode levantar a cabeça, e um colega de trabalho revolucionário (Stephen Yeun) tentando irritar os trabalhadores a se rebelarem contra seus mestres. Há muitas outras pessoas também, e apenas algumas delas são totalmente humanas. É um filme e tanto. Há muitas outras pessoas também, e apenas algumas delas são totalmente humanas. É um filme e tanto. Há muitas outras pessoas também, e apenas algumas delas são totalmente humanas. É um filme e tanto.—Will Leitch
29. Listras
Ano : 1981
Diretor : Ivan Reitman
Estrelas: Bill Murray, Harold Ramis, Warren Oates, PJ Soles, Sean Young, John Candy, John Larroquette, Judge Reinhold
Gênero: Comédia
Classificação: R
Duração: 105 minutos
Stripes pode não ser tão amado quanto Ghostbusters ou Groundhog Day , mas John Winger, o motorista de táxi sarcástico e irreverente que se junta ao exército depois que sua vida desmorona, deve ser o papel definidor de Bill Murray. (Ou, pelo menos, no início de Murray, antes de se tornar um ator respeitável.) Claro, Murray já havia desenvolvido sua voz no Second City e no Saturday Night Live , e estreou na tela grande com Meatballs , mas Stripes colocou o anti- autoritarismo contra a instituição mais autoritária da América, permitindo-lhe alcançar novos patamares de desrespeito bajulador. E não tem medo de fazê-lo parecer um idiota sem se esforçar para reabilitá-lo, algo que não pode ser ditoGhostbusters ou Dia da Marmota . Stripes tem problemas como filme – ele se arrasta por muito tempo, o último terço é exagerado e irreal, e a maneira como trata as mulheres era desconfortável na época e seria totalmente inaceitável hoje – mas entre Murray, Harold Ramis, John Candy, juiz Reinhold , John Larroquette, e uma fantástica atuação hétero do cara durão de Peckinpah Warren Oates como o sargento, pode ser, rir por rir, o filme mais engraçado desta lista. — Garret Martin
30. Não é outro filme adolescente
Ano: 2001
Diretor: Joel Gallen
Estrelas: Chris Evans, Jaime Pressly, Randy Quaid
Gênero: Comédia
Classificação: R
Chris Evans pode ter feito coisas maiores e melhores, mas seu desempenho extremamente discreto como um atleta iludido na paródia do subgênero Not Another Teen Movie foi um pico inicial para o Capitão América. Reforçado por muitas falas citáveis e uma estética habilmente cortada do diretor Joel Gallen, do Comedy Central, Not Another Teen Movie é uma resposta hilária e farpada à onda de comédias de sexo adolescente complicadas que decorreu dos anos 80 a 2001. liberar. Basicamente, este filme fez com as comédias românticas adolescentes o que Walk Hard: The Dewey Cox Storyfez com cinebiografias musicais: a paródia é tão boa que, depois de assisti-la, é difícil levar a sério as entradas sérias. Atrevido, mas afiado, o filme abrange baixo e alto nível com muito sucesso - com uma chateada Molly Ringwald coroando tudo em uma participação perfeita. - Jacob Oller
31.Mirai
Ano: 2018
Diretor: Mamoru Hosoda
Estrelas: Haru Kuroki, Moka Kamishiraishi, Gen Hoshino
Gênero: Anime, Fantasia
Classificação: PG
A maioria, se não todos, dos filmes originais de Mamoru Hosoda produzidos na última década funcionam, em algum grau ou outro, como exercícios de autobiografia. Summer War , além de uma premissa mais ou menos reciclada da estreia na direção de Hosoda em 2000, Digimon Adventure: Our War Game! , foi a história muitas vezes removida de Hosoda conhecendo a família de sua esposa pela primeira vez. Wolf Children de 2012 foi inspirado pela morte da mãe de Hosoda, animada em parte pelas ansiedades e aspirações com a perspectiva de sua própria paternidade iminente. O Menino e a Fera de 2015 foi concluído logo após o nascimento do primeiro filho de Hosoda, produto de suas próprias perguntas sobre qual papel um pai deve desempenhar na vida de seu filho. Mirai, o sétimo filme do diretor, não é da própria experiência de Hosoda, mas filtrada pelas experiências de seu filho primogênito conhecendo seu irmãozinho pela primeira vez. Cuidando da perspectiva de Kun (Moka Kamishiraishi), uma criança que se sente deslocada e insegura após o nascimento de sua irmã Mirai, Mirai é um belo drama de fantasia de aventura que leva o espectador a uma odisseia deslumbrante por toda a árvore genealógica de Kun, culminando em uma conclusão pungente que enfatiza a beleza do que significa amar e ser amado. Mirai é o filme mais realizado de Hosoda, o ganhador da primeira indicação ao Oscar por um filme de anime não produzido pelo Studio Ghibli, e uma experiência tão edificante quanto uma alegria de se ver. —Toussaint Egan
32. Esquisitos
Ano: 2018
Diretor: Sandi Tan
Gênero: Documentário
Classificação: NR
Duração: 96 minutos
Dar sentido ao passado pode ser tanto um empreendimento para a vida inteira quanto uma proposta espinhosa. Em Shirkers , a romancista Sandi Tan realiza o mais complicado dos empreendimentos, dirigindo um documentário sobre si mesma que não é enjoativo ou digno de constrangimento. Muito pelo contrário, seu filme é refrescantemente sincero e autocrítico: ela pode ser a estrela do show, mas ela tem uma história para contar e a perspectiva certa para enquadrá-la adequadamente. Tan narra o documentário como um pedaço de memória, contando sua infância em Cingapura com sua melhor amiga Jasmine, onde eram as duas crianças legais em sua escola bonita e quadrada, sonhando em ser cineastas e deixar sua marca. Para promover essa ambição, eles colaboraram com outra amiga, Sophia, em um road movie surreal chamado Shirkers., que seria dirigido pelo mentor de Tan, um professor mais velho chamado Georges que se portava como alguém que sabia se virar em uma câmera de cinema. No final da adolescência e talvez apaixonada por esse homem que lhe deu tanta atenção – o documentário é cauteloso sobre o assunto – Tan estava intoxicada pela pressa de fazer um filme que ela escreveu e seria a estrela. Então, como é que nunca vimos isso? O documentário traça a estranha e misteriosa jornada do projeto, que foi assaltado por Georges que se esgueirou com os rolos de filme com uma vaga promessa de terminar o trabalho. Isso nunca aconteceu e, 20 anos depois, Tan decide abrir essas velhas feridas, conectando-se com seus velhos amigos e tentando determinar o que aconteceu com Georges. Cenas do filme inacabado aparecem em Shirkers, alertando o público para o fato de que haverá uma resolução feliz para a busca de Tan. Mas o documentário acaba sendo menos sobre rastrear as latas de filmes do que uma exploração de nostalgia, amizade e o fascínio de mentores. Tan é uma companhia animada e discreta – sua voz tem o tom sardônico certo – mas suas visitas com Jasmine e Sophia são particularmente adoráveis e esclarecedoras, sugerindo como amigos de longa data podem nos ver de maneiras que não podemos. — Tim Grierson
33. Sua Casa
Ano: 2020
Diretor: Remi Weekes
Estrelas: Wunmi Mosaku, Sope Dirisu, Matt Smith
Gênero: Horror
Classificação: NR
Nada suga a energia do terror do que filmes que retêm o terror. Os filmes podem assustar o público de várias maneiras, é claro, mas o mínimo que um filme de terror pode ser é assustador, em vez de brincar. His House , de Remi Weekes, não dá para enrolar. O filme começa com uma tragédia, e dentro de 10 minutos dessa abertura supera com folga The Grudge , deixando fantasmas espalhados pelo chão e pelas escadas, onde seus protagonistas podem tropeçar neles. Em última análise, este é um filme sobre a dor inata inescapável das histórias de imigrantes, uma peça complementar ao cinema independente contemporâneo como o Mediterranea de Jonas Carpignano, que captura os perigos enfrentados pelos imigrantes na estrada e em seus destinos com brutal clareza neorrealista. Weekes está profundamente envolvido em Bol e Rial como pessoas, de onde eles vêm, o que os levou a sair e, acima de tudo, o que eles fizeram para sair. Mas Weeks está igualmente empenhado em fazer seus espectadores saltarem da pele. - Andy Crump
34.Os irmãos faíscas
Ano: 2021
Diretor: Edgar Wright
Gênero: Documentário
Classificação: R
Duração: 135 minutos
The Sparks Brothers é uma avaliação e apreciação completa e encantadora de uma banda idiossincrática, e o maior elogio que você poderia dar a ela é que ela compartilha uma sensibilidade com seus músicos inimitáveis. Não é uma tarefa fácil quando se trata de Ron e Russell Mael. Os irmãos californianos dirigem Sparks desde o final dos anos 60 (sim, os anos 60), atravessando gêneros tão rapidamente quanto suas letras fazem e descartam piadas. Glam rock, discoteca, pioneirismo eletrônico – e mesmo quando mergulham nos cantos mais experimentais e orquestrais de seus interesses musicais, eles mantêm um gênio do power-pop constante reforçado pela flauta de Russell e pelas teclas cativantes de Ron. É aqui, na incrível variedade e personalidade solidificada de Sparks, que você rapidamente começa a entender que The Sparks Brothersé o casamento de dois súditos perfeitos que compartilham uma missão. Especialistas em uma forma de arte que estão interessados um no outro, Ron e Russell se relacionam com o diretor Edgar Wright por um desejo irônico de se divertir e fazer arte também. Um fez uma trilogia de paródias que se destaca em seus gêneros individuais (filmes de zumbi, policial, ficção científica). Os outros fizeram músicas subversivas como “Music That You Can Dance To” que conseguem igualar (e muitas vezes ultrapassar) os próprios bops que eles razz. Seus poderes combinados, os irmãos Sparkstorna-se um doc de música que é autoconsciente e profundamente sério. Slapstick, com uma grande variedade de clipes de filmes antigos entregando os socos e as quedas, e gags visuais tiram o mijo de suas impressionantes cabeças falantes sempre que soltam um clichê de documentário musical. “Empurrando o envelope?” Espere ver um cabo de guerra postal entre os Maels. Esse senso de humor, apreciando a fruta mais estúpida e a mais alta referência de testa, vem da admiração dos irmãos por cineastas franceses sérios como Jacques Tati (com quem Sparks quase fez um filme; lembre-se, eles adoram filmes) e de um afinidade particularmente formativa pela música britânica. Ele não derruba totalmente as fachadas, já que mesmo as obras mais pessoais de Wright ainda se expressam através de uma concha protetora de comédia física e referências, mas você tem uma noção dos Maels como trabalhadores, irmãos, artistas e humanos em termos com os quais se sintam confortáveis. O filme de quase duas horas e meia é um épico, não há como negar isso. Você não precisará de outro filme do Sparks depois deste. No entanto, é menos uma biografia completa do que um convite, acenando para recém-chegados e ouvintes de longa data por meio de sua completa compreensão e adoração por seus assuntos.—Jacob Oller
35. Apóstolo
Ano: 2018
Diretor: Gareth Evans
Estrelas: Dan Stevens, Lucy Boynton, Michael Sheen
Gênero: Terror, Drama
Classificação: NR
Depois que as duas primeiras entradas de The Raid fizeram dele uma figura monolítica entre os viciados em filmes de ação, Apóstolo funciona como a introdução do mundo mais amplo aos estilos viscerais de cinema do diretor galês Gareth Evans. Onde seus primeiros filmes quase tiveram a estética de um videogame ganhando vida - eles são o mais próximo de uma adaptação para a tela grande de Streets of Rage que você jamais encontrará - Apóstolo pode representar o desejo de Evans de ser levado seriamente como diretor visual e autor. Para fazer isso, ele explorou um terreno bem trilhado na forma do “filme de infiltração cult” rural, fazendo comparações com The Wicker Man (ou mesmo The Sacrament , de Ti West).) inevitável. No entanto, Apóstolo força seu caminho para a conversa de fim de ano do melhor cinema de terror de 2018 por meio de puro estilo e verve. Cada quadro é lindamente composto, desde a chegada agourenta do personagem fumegante de Dan Stevens no complexo de culto da ilha, até o fantasticamente nojento Grand Guignol do terceiro ato, no qual as vísceras fluem com abandono hedonista. Evans sabe exatamente quanto tempo deve levar ao público um mistério de fogo lento antes de deixar as represas de sangue estourar; sua conclusão abrange tanto a loucura sobrenatural quanto a violência humana desconfortavelmente realista. Foi -se a precisão do combate de The Raid, substituído por um tipo mais desajeitado de selvageria desenfreada que é fortalecida não pela honra, mas pela fé desesperada. Evans conclui corretamente que essa forma de violência é muito mais assustadora. —Jim Vorel
36.O outro lado do vento
Ano: 2018
Diretor: Orson Welles
Estrelas: John Huston, Peter Bogdanovich, Robert Random, Susan Strasberg, Oja Kodar
Gênero: Drama
Classificação: R
Tão espalhafatoso e inexplicável quanto seu título, The Other Side of the Wind , no entanto, canta com a força de seu movimento assobiando além de suas restrições. O vento sopra: Orson Welles o canaliza através de seu torpor infligido pelo estúdio/autoinfligido, nesse processo encontrando uma melodia orgânica – ou melhor, jazz. O documentário de making-of They'll Love Me When I'm Dead , lançado pela Netflix para acompanhar este filme - o melhor momento da gigante do streaming - mostra Welles, enorme e meio cozido, descrevendo o que ele chama de "acidentes divinos". Esses acidentes foram responsáveis por alguns dos melhores detalhes de sua obra (onde Deus mora), como a quebra do ovo em Touch of Evil; eles eram algo que ele pretendia perseguir (como perseguir o vento) com este, seu projeto final, lançado várias décadas após a filmagem, enquanto a Netflix abria seus cofres para abrir o caixão em que as imagens brutas estavam trancadas. Seus ex-parceiros nas filmagens, Peter Bogdanovich e Frank Marshall, cumprem seu antigo juramento ao seu mestre de completar o filme para ele e, ao encontrar o espírito da coisa, nos entregam uma obra-prima que mal merecemos. Um acidente divino. John Huston interpreta John Huston como Jake Hannaford, que também é Orson Welles, tentando terminar O Outro Lado do Vento , assim como Welles tentou terminar O Outro Lado do Vento, ao longo de anos sem orçamento real e pelas calças de todos. Em contraste, o cenário do filme é montado ao longo de uma noite e uma noite, Hannaford cercada por “discípulos” e colegas que são convidados para uma festa para exibir algumas das imagens do que o diretor espera ser sua maior obra-prima, em o que Welles esperava que fosse dele. O filme dentro do filme é um riff de filme de arte, com talvez as piscadelas mais fortes para Michelangelo Antonioni e Zabriskie Point. A vida imita a arte: a casa de Hannaford fica ao virar da esquina de onde Zabriskie explodiu. Apropriadamente, essa casa é o cenário para a maior parte do filme sobre Hannaford, em teoria construída a partir de imagens encontradas dos paparazzi cineaste. A densidade é vertiginosa, o intelecto feroz. Em termos de filmografia de Welles, é como o último ato de Cidadão Kane sentido por Touch of Evil , depois despojado e eviscerado pelo meta-punk de F for Fake . Nenhuma arte existe no vácuo, mas O Outro Lado do Vento , mais do que a maioria, sangra seu próprio contexto. Trata-se de Orson Welles, mostrando-se. Matando a si mesmo. —Chad Betz
37. Uma voz silenciosa
Ano: 2016
Diretor: Naoko Yamada
Estrelas: Miyu Irino, Saori Hayami, Megumi Han
Gênero: Anime, Drama
Classificação: NR
Em um meio que muitas vezes se sente constrangido pela primazia das sensibilidades estéticas masculinas e saturado com retratos hipersexualizados de mulheres coloquialmente codificados como “serviço de fãs”, a presença de Naoko Yamada é uma bem-vinda lufada de ar fresco, para não falar do qualidade inimitável de seus próprios filmes. Inspirado em nomes como Yasujiro Ozu, Alejandro Jodorowsky, Sergei Parajanov, Sofia Coppola e Lucile Hadžihalilovic, Yamada é um diretor por excelência, capaz de prender a atenção e evocar melancolia e catarse agridoce através de composições delicadas de som hábil, edição rápida, cor efêmera paletas e personagens com ricas vidas interiores repletas de lutas complicadas e relacionáveis. Uma voz silenciosa, adaptado do mangá de Yoshitoki Oima com o mesmo nome, é um excelente exemplo de todas essas sensibilidades em jogo. Quando Shoya Ishida conhece Shoko Nishimiya, uma aluna surda transferida, na escola primária, ele a intimida implacavelmente para a diversão de seus colegas de classe. Um dia, quando Shoya vai longe demais, forçando Shoko a se transferir novamente por medo de sua própria segurança, ele é rotulado de pária por seus colegas e se retira para um estado de isolamento auto-imposto e auto-ódio. Anos depois, Shoya encontra Shoko mais uma vez, agora na adolescência, e tenta compensar o dano que ele infligiu a ela, enquanto luta para entender suas próprias motivações para fazê-lo. Uma voz silenciosaé um filme de tremenda profundidade emocional - um retrato comovente do abuso de adolescentes, reconciliação e perdão pelos danos perpetrados por outros e por nós mesmos. — Toussaint Egan
38. Caça aos Selvagens
Ano: 2016
Diretor: Taika Waititi
Estrelas: Sam Neill, Julian Dennison, Rima Te Wiata, Rachel House, Oscar Kightley, Tioreore Ngatai-Melbourne, Rhys Darby
Gênero: Comédia, Drama
Classificação: NR
O primeiro encontro de Bella (Rima Te Wiata) com Ricky (Julian Dennison), o novo filho adotivo que ela concordou em assumir, não inspira confiança, especialmente com suas piadas desajeitadas às custas do peso dele. Por sua vez, com a representante do serviço infantil Paula (Rachel House) pintando Ricky como uma criança rebelde e rebelde, teme-se a perspectiva de ver a criança andar por cima dessa mãe possivelmente insana. Mas Bella o desgasta com gentileza. E Ricky acaba sendo menos duro do que ele – com sua predileção por gangsta rap e tudo o que isso implica – inicialmente tentou projetar. Uma adaptação do romance Wild Pork and Watercress de Barry Crump, Hunt for the Wilderpeople de Taika Waititiprospera em derrubar noções preconcebidas. O diretor mostra simpatia pela inocência de Ricky, que se reflete no estilo de grande aventura do filme. Os panoramas amplos e coloridos do diretor de fotografia Lachlan Milne e uma estrutura narrativa baseada em capítulos dão a Hunt for the Wilderpeople a sensação de uma fábula de um livro de histórias, mas graças à dinâmica calorosa entre Ricky e Hec (Sam Neill), até os momentos mais extravagantes do filme carregam uma sensação de dor subjacente real: ambos os personagens são forasteiros, em última análise, procurando um lar para chamar de seu. - Kenji Fujishima
39. Estou pensando em acabar com as coisas
Ano: 2020
Diretor: Charlie Kaufman
Estrelas: Jessie Buckley, Jesse Plemons, Toni Collette, David Thewlis
Classificação: R
Muitos espectadores vão pensar em terminar Estou pensando em acabar com as coisasnão muito depois de ter começado. Uma cascata de imagens brutas de dissolução cruzada detalha o interior de uma casa de fazenda ou um apartamento, ou o interior de um interior. Uma mulher que ainda não vimos está praticamente no meio da narração, nos dizendo algo para o qual não temos contexto. Parece errado, desanimador. Algo não está certo. Não é assim que os filmes devem funcionar. Finalmente vemos a mulher, interpretada brilhantemente por Jessie Buckley. Ela está parada na rua enquanto os flocos de neve inchados começam a cair, como se estivéssemos dentro de um globo de neve 3-D com ela. Ela olha para uma janela alguns andares acima. Vemos um velho olhando pela janela. Vemos Jesse Plemons olhando pela janela. Vemos Jesse Plemmons na próxima cena pegando Jessie Buckley em seu carro gasto. A música do filme cintila e gira. Lucy de Jessie Buckley ou Lucia ou Amy está pensando em terminar as coisas com Jake de Jesse. As coisas não vão a lugar nenhum bem, parece ser o raciocínio. Jake dirige o carro e às vezes fala; seus comportamentos parecem bastante consistentes até que não são, até que algum gesto ferve como um objeto estranho de outro eu. Louisa ou Lucy está por vir, uma fonte de personalidade, conhecimento e interesses. Mas às vezes ela diminui a velocidade, ou fica quieta, e de repente ela é outra pessoa que é a mesma pessoa, mas talvez com memórias diferentes, interesses diferentes. Às vezes ela é pintora, às vezes física, às vezes nenhuma das duas. Jessie e Jesse são ótimos. Suas performances e seus personagens são difíceis de descrever. O melhor filme de 2020 é terrível por ser um “filme”. Não subscreve padrões, ritmos ou tropos comuns. Ele nem tenta ser um grande filme, na verdade, ele simplesmente tenta dissecar a vida da mente do outro, e fazer isso por qualquer meio cinematográfico possível. A autoconsciência do filme poderia ter sido insuportável, exceto que a consciência (e nossa experiência fragmentária dela) é tão inteiramente o ponto de tudo que o filme está envolto e que está envolto nele. Dizer que o filme aceita tanto a beleza quanto a feiúra da vida seria um chavão que o próprio filme rejeita. Dizer que “o amor vence tudo”, ainda mais. Mas essas falsas verdades esvoaçam na visão periférica do filme: ilusões ou fantasmas, mas bem-vindos. — exceto que a consciência (e nossa experiência fragmentária dela) é tão inteiramente o ponto de tudo que o filme está envolto e que está envolto nele. Dizer que o filme aceita tanto a beleza quanto a feiúra da vida seria um chavão que o próprio filme rejeita. Dizer que “o amor vence tudo”, ainda mais. Mas essas falsas verdades esvoaçam na visão periférica do filme: ilusões ou fantasmas, mas bem-vindos. — exceto que a consciência (e nossa experiência fragmentária dela) é tão inteiramente o ponto de tudo que o filme está envolto e que está envolto nele. Dizer que o filme aceita tanto a beleza quanto a feiúra da vida seria um chavão que o próprio filme rejeita. Dizer que “o amor vence tudo”, ainda mais. Mas essas falsas verdades esvoaçam na visão periférica do filme: ilusões ou fantasmas, mas bem-vindos. — mas bem-vindos. — mas bem-vindos. —Chade Betz
40. Linha Fantasma
Ano: 2017
Diretor: Paul Thomas Anderson
Estrelas: Daniel Day-Lewis, Lesley Manville, Vicky Krieps
Classificação: R
Tópico Fantasmaé um filme que é tão maravilhosamente feito, tão meticuloso em sua construção, tão profundamente sentido na execução, que você quase pode ignorar o quão espinhoso e escabroso ele é. Este deve ser o filme mais gostoso de assistir de todos os tempos, que é em grande parte sobre o quão egocêntrico e inflexível o mundo dos relacionamentos pode ser, como só podemos desistir de nós mesmos e cabe ao nosso parceiro para descobrir como lidar com isso, se eles quiserem. Este é um filme intransigente sobre duas pessoas intransigentes que tentam viver uma com a outra sem perder uma parte muito grande de si mesmas, e os comprimentos às vezes extremos que eles farão para conseguir o que querem. Daniel Day-Lewis interpreta Reynolds Woodcock, uma costureira mundialmente famosa que veste celebridades, realeza e, às vezes, para seu desgosto, vulgares ricos de classe. Quase tudo o que não atende aos seus padrões exigentes é vulgar, até que um dia, no interior da Inglaterra, Reynolds encontra uma garçonete chamada Alma (Vicky Krieps), que atende aos requisitos físicos de Reynolds (especificamente para que ele possa fazer vestidos para ela). e tem uma certa coragem que ele instantaneamente acha fascinante. Ambos os diretores dePhantom Thread são absurdos e insanos à sua maneira, e uma das muitas emoções do filme é vê-los se chocarem e colidirem novamente. É a história de amor mais estranha, tão estranha que nem tenho certeza se é sobre amor. Meu colega Tim Grierson disse isso primeiro , mas é uma observação boa demais para ignorar: este filme é em grande parte sobre a absoluta incognoscibilidade dos relacionamentos de outras pessoas. Do lado de fora, não faz sentido que Reynolds e Alma tenham esse tipo de conexão um com o outro; é difícil dizer o que cada pessoa está ganhando com isso. Mas o que é insondável é também o que o torna tão poderoso. —Will Leitch
41. Roma
Ano: 2014
Realizador: Alfonso Cuarón
Estrelas: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta
b>Género: Drama
Classificação: R
O filme mais íntimo de Alfonso Cuarón é também o mais distante. A câmera fica de costas, em preto e branco, focada não nas crianças burguesas que representam o diretor de fotografia-roteirista e seus irmãos que cresceram na Cidade do México há várias décadas, mas mais ainda na mulher indígena (Yalitza Aparicio) que cuida de eles e a casa. Nem mesmo totalmente focado nela, talvez mais focado em suas composições classicistas de um lugar que não existe mais como Cuarón o lembra. A câmera olha e se move em um sequenciamento transplano, dando-nos elementos de primeiro plano, meio-terra e fundo em total clareza digital. A mistura de som é Dolby Atmos e envolvente. Mas a base estética e narrativa é Fellini, ou neorrealismo mexicano há muito perdido, ou Playtime de Tatimas com gags de visão substituídos por preocupação social e devaneio pessoal. Reservado e imersivo, introspectivo e voltado para o exterior, velho e novo – alguns acusaram os ciganos de serem muito calculados no que tentam fazer, no ato de equilíbrio que tentam realizar. Talvez eles não estejam errados, mas é para o imenso crédito de Cuarón como um técnico atencioso e contador de histórias que ele, de fato, consegue. O resultado é uma experiência cinematográfica singular, que recria algo que estava perdido e então o navega de forma a encontrar a história emergente e, a partir dela, encontrar o impacto emocional. Para que quando chegarmos a esse ponto tarde em Roma, nem percebemos o processo lento e orgânico pelo qual fomos totalmente investidos no filme; não estamos prontos para ser atingidos com tanta força quando os golpes vêm e as ondas quebram. É quase insuportável, mas suportamos porque nos preocupamos com essas pessoas com quem nos envolvemos. E assim é a vida. —Chad Betz
42.O poder do cão
Ano: 2021
Diretor: Jane Campion
Estrelas: Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Genevieve Lemon, Keith Carradine, Frances Conroy
Classificação: R
Baseado no romance homônimo de 1967 de Thomas Savage, o tão esperado retorno de Jane Campion ao meio cinematográfico - após Bright Star de 2009 e seus anos subsequentes trabalhando na televisão - parece adequado para um diretor que demonstrou destreza na elaboração de um filme . atmosfera de inquietação aguda. E assim vai para O Poder do Cão, um filme com uma veia trêmula perpétua, carregado pela sensação onipresente de que alguém poderia quebrar a qualquer momento - até que o faça. Em 1925, Montana, os irmãos Phil (Benedict Cumberbatch) e George Burbank (Jesse Plemons) são prósperos criadores de gado, mas irmãos incompatíveis. Phil é a imagem máxima do machismo, meditando pelo rancho já adornado com sua roupa de caubói e uma espessa camada de sujeira no rosto, um cigarro enrolado pendurado no lábio inferior; um personagem que age em desafio do trabalho passado de Cumberbatch. Phil se opõe tanto a qualquer coisa adjacente ao que poderia ser considerado "feminino" que coisas como tomar banho, tocar um instrumento que não seja um banjo e apenas ser legal com as mulheres são os tipos de atividades que podem levar Phil a perguntar "Caras, é gay se...?” no Twitter. Da castração dos touros na fazenda Burbank, ao status de Phil como a ovelha negra de sua respeitável família, à natureza da paisagem ocidental ligada à performance de masculinidade de Phil, o subtexto é tão visualmente limitado que permanece subtextual apenas em virtude de não ser falado diretamente em voz alta. Mas a falta de jeito na abordagem do filme ao seu assunto é sustentada pelas performances convincentes em geral - notadamente de Cumberbatch, cuja encarnação de um fazendeiro rude e sujo é a princípio meio inacreditável em relação às performances que definiram o carreira do inglês. Mas é, talvez, por causa desse contraste com seus papéis anteriores que Cumberbatch consegue se encaixar no personagem de Phil tão agudamente, carregando consigo um constrangimento e inquietação inerentes em sua própria pele, apesar do terror que ele atinge no coração de alguém como Rose. Ele é acompanhado pela trilha arrepiante, composta pelo inimitável Johnny Greenwood (The Master , Phantom Thread ) e a cinematografia impecável de Ari Wegner ( Zola , The True History of the Kelly Gang ), que formam uma união perfeita de tensão, intimidade e isolamento em um filme onde o som de cada fatia, recorte e clique evoca a mesma sensação angustiante, independentemente da fonte. O que significa ser um homem? O Poder do Cão considera a pergunta, mas nunca a responde. Em vez disso, está preocupado com um fenômeno atemporal: o sofrimento suportado pelo próprio bem da própria masculinidade. — Brianna Zigler
43. O Exorcista
Ano: 1973
Diretor: William Friedkin
Estrelas: Linda Blair, Ellen Burstyn, Max von Sydow, Jason Miller, Lee J. Cobb
Classificação: R
Duração: 122 minutos
O Exorcista é uma escolha segura, mas então você luta para saber se algum outro filme nesta lista é mais perturbador, mais influente ou simplesmente mais assustador do que este filme, e simplesmente não há um. O filme irradia uma aura de pavor – parece de alguma forma sujo e inclinado, mesmo antes de todas as cenas de possessão começarem. Segmentos como o “rosto de demônio” piscam na tela por um oitavo de segundo, desorientando o espectador e dando-lhe a sensação de que você nunca pode baixar a guarda. Ele rasteja sob sua pele e depois fica lá para sempre. O filme constantemente desgasta qualquer senso de esperança que tanto o público quanto os personagens possam ter, fazendo você se sentir como se não houvesse como esse padre (Jason Miller), não particularmente forte em sua própria fé, ser capaz de salvar a menina possuída (Linda Blair). Mesmo sua eventual “vitória” é algo muito vazio, como mais tarde explorado pelo autor William Peter Blatty em O Exorcista III . Assistir é uma provação, mesmo depois de ter visto várias vezes antes. O Exorcista é um grande filme por qualquer definição. —Jim Vorel
44.Os Mitchells vs. as Máquinas
Ano: 2021
Diretor: Mike Rianda, Jeff Rowe (co-diretor)
Estrelas: Abbi Jacobson, Danny McBride, Maya Rudolph, Eric Andre, Fred Armisen, Beck Bennett, Olivia Colman
Gênero: Animação, Comédia, Sci-Fi
Classificação: PG
As divisões entre gerações animadas nunca foram mais parecidas com um carnaval de ficção científica do que em The Mitchells vs. the Machines . Estreia de longa-metragem do escritor/diretor Mike Rianda (ele e o co-roteirista/diretor Jeff Rowe se destacaram no excelente e assustador programa Gravity Falls) é igualmente absurda, cativante e aterrorizante. É fácil se sentir tão perdido ou sobrecarregado pelas luzes piscantes e vistas emocionantes quanto a família central lutando de um lado da disputa pelo título, mas é igualmente fácil sair com a alegria exausta de uma longa e cansativa saída do parque temático. Sua família embutida no gênero explode em cada quadro bagunçado e lotado como se estivesse tentando escapar (geralmente estão) e, no processo, cria a comédia animada mais enérgica e cativante até agora este ano. E sua premissa começa tão humildemente. A cineasta e animadora Katie (Abbi Jacobson) está saindo de casa para a faculdade e, para chegar lá, tem que fazer uma viagem com sua família: Rick (Danny McBride), seu pai ludita ao ar livre; Linda (Maya Rudolph), sua mãe pacificadora; e Aaron (Rianda), seu irmão mais novo dino-freak. Você pode adivinhar que Katie e seu pai nem sempre concordam, mesmo quando os olhos de Katie não estão grudados em seu telefone ou laptop. Essa tecnocrítica, onde “tempo de tela” é uma frase suja e a figura paterna que muda de posição e que constrói cabanas quer que sua família experimente o mundo real, pode ser tão hacker quanto a décima segunda temporada de uma comédia de Tim Allen.The Mitchells vs. the Machines escapa desse perigo não apenas por meio de algumas nuances intencionais em sua escrita, mas também de algumas grandes e velhas antinuances: no meio da viagem, as empresas de tecnologia do mal estragam tudo e os robôs criados por telefone decidem atirar em todos os humanos para o espaço. Este filme precisava de algo tão grande narrativamente para apoiar seus visuais gloriosamente de pia de cozinha. O filme da Sony usa algumas das mesmas tecnologias que fizeram Spider-Man: Into the Spiderverse parecer tão nítido e único, adicionando sombreamento cômico ao seu CG expressivo. Na verdade, uma vez que alguns dos cenários mais esquisitos decolarem, você não ficaria surpreso ao ver Miles Morales aparecer para salvar o dia. Os Mitchells vs. as MáquinasO giro na estética Spidey vem de Katie obcecada por memes e filmes, cuja imaginação muitas vezes invade o mundo real e cujos rabiscos bizarros, neon e cheios de filtros ornamentam a paleta já excitante do filme com estranheza explosiva. Este estilo único e inteligente combina bem com a palhaçada maravilhosamente cronometrada de The Mitchells vs. the Machines , batendo e esmagando com uma violência inesperada, equilibrada com um pug verdadeiramente idiota e muitos detalhes visuais zombando do que quer que esteja acontecendo.— Jacob Oller
45. Zoolander
Ano: 2001
Diretor: Ben Stiller
Estrelas: Ben Stiller, Owen Wilson, Will Farrell, Christine Taylor
Classificação: PG-13
Duração: 89 minutos
Zoolander foi uma comédia marcante em 2001, graças à maravilhosa química entre Ben Stiller e Owen Wilson como um par de modelos masculinos. O Hansel de Wilson se preocupa mais com o que é feito de casca e idolatra Sting (não por sua música, mas pelo fato de ele estar lá fazendo isso) do que sua rivalidade com Zoolander de Ben Stiller. Eventualmente, as duas supermodelos devem trabalhar juntas para tentar derrubar Mugatu (Will Ferrell), depois que ele faz uma lavagem cerebral em Zoolander com a música “Relax” de Frankie Goes to Hollywood .
46. Parte de baixo preta de Ma Rainey
Ano: 2020
Diretor: George C. Wolfe
Estrelas: Viola Davis, Chadwick Boseman, Glynn Turman, Colman Domingo, Michael Potts
Gênero: Drama
Classificação: R
Apropriadamente, o papel final de Chadwick Boseman é todo sobre o blues. A aparição do falecido ator em Ma Rainey's Black Bottom , da Netflix, a adaptação de August Wilson do diretor George C. Wolfe e do escritor Ruben Santiago-Hudson, é igual a vitrine de atores, elogio raivoso e lamento abrangente - fervidos juntos na cozinha suada dos anos 20 Sessão de gravação de Chicago. Uma história das múltiplas facetas da ambição e eventuais pontos finais, Ma Raineygira em torno daqueles que orbitam seu personagem-título (Viola Davis). Ela é uma lenda do blues no topo de seu jogo, finalmente apreciada (pelo menos em algumas partes do país) e pronta para ser explorada por homens brancos de terno. Como se ela os deixasse. Ela está confortavelmente atrasada para gravar um álbum, deixando todos os outros para chutar seus calcanhares e atirar a merda no verdadeiro estilo Wilson - com Santiago-Hudson encontrando a essência do trabalho de Wilson. A performance brutal de Davis, ainda mais potente por sua avalanche de maquiagem e suor brilhante, define perfeitamente o cenário. Ela, ao lado de gravatas afrouxadas e fãs zumbindo, dá ao filme a temperatura e gravidade pretendidas para que Boseman e o resto dos membros de sua banda possam correr como vaga-lumes vagando no calor do verão. Com trágica serendipidade, Boseman nos deixa um presente: ele está pegando fogo. Magro, com os posicionamentos da câmera e adereços enfatizando seus membros desengonçados (há uma razão pela qual ele empunha um flugelhorn atarracado e atarracado, um grampo do jazz que funciona melhor visualmente), Levee é um papel altamente físico, apesar do material de origem tagarela: é tudo sobre capturar a atenção , às vezes literalmente sapateando para isso, com qualquer pingo de vergonha invadido por uma energia ansiosa. Agitado, nervoso e tenso durante um monólogo de quase cinco minutos, Levee parece sentir que a janela para seu sonho está se fechando: o tempo está se esgotando. com qualquer grama de vergonha invadida por uma energia ansiosa. Agitado, nervoso e tenso durante um monólogo de quase cinco minutos, Levee parece sentir que a janela para seu sonho está se fechando: o tempo está se esgotando. com qualquer grama de vergonha invadida por uma energia ansiosa. Agitado, nervoso e tenso durante um monólogo de quase cinco minutos, Levee parece sentir que a janela para seu sonho está se fechando: o tempo está se esgotando.Black Bottom de Ma Rainey é mais do que o desempenho de Boseman, com certeza, com Davis e Colman Domingo derramando algumas lágrimas deliciosas e as palavras de Wilson continuando a queimar e subir em igual medida. Mas a propriedade de Boseman do filme, um instantâneo digno de Oscar de potencial e desejo, dá a uma tragédia ampla e adorável algo específico para cantar. —Jacob Oller
47.A mão de Deus
Ano: 2021
Diretor: Paolo Sorrentino
Estrelas: Filippo Scotti, Toni Servillo, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri, Renato Carpentieri, Massimiliano Gallo, Betti Pedrazzi, Biagio Manna, Ciro Capano
Classificação: R
Duração: 130 minutos
Paolo Sorrentino encerra sua nova obra de maioridade, A Mão de Deus , com representação divina, e passa cada momento entre lamentando o desfile interminável de decepção da vida. A humanidade é terrível. Tudo é um fracasso. A realidade é péssima. “Que mundo de merda é esse”, opina uma mulher por volta de 45 minutos de filme. “Você vai comprar sobremesa e quando voltar, seu marido está na cadeia.” Os detalhes são irrelevantes. É o sentimento que aterrissa. O diálogo soa como Sorrentino fazendo solilóquio por meio de seus personagens, transmitindo queixa após queixa sobre o efeito de aterramento de A Mão de Deus's em seu enredo: Situado na década de 1980 em Nápoles, atendendo à rotina rica e chata que compreende as idas e vindas da família unida Schisa - pai Saverio (Toni Servillo) e mãe Maria (Teresa Saponangelo), e seus filhos, O mais velho Marchino (Marlon Joubert) e o mais novo Fabietto (Filippo Scotti)—Sorrentino constrói o filme com menos floreios surrealistas do que em seus trabalhos atuais, como Loro de 2018, Juventude de 2015 e A Grande Beleza de 2013 , onde um homem faz uma girafa desaparecer no ar no meio de um coliseu romano. Colocado ao lado dessas fotos, A Mão de Deus é absolutamente normal. A normalidade pode não satisfazer os personagens de Sorrentino, seja o princípio ou o coadjuvante, mas A Mão de Deusencontra abundância nas convenções italianas cotidianas: Abundância de significado, abundância de beleza, abundância de comédia e para evitar enterrar o lede, The Hand of God é consistentemente hilário durante a primeira hora (apesar de uma cena de abertura de violência doméstica) . A Mão de Deus não é escapismo, contrariando os objetivos de carreira de Fabietto no estágio final. é _uma piada divertida e um drama pungente que se transforma em um exercício de luto em sua segunda metade, onde Fabietto tira sua mente de uma tragédia que abalou o mundo ao ser fã de Capuano e se meter em problemas com Armando (Biagio Manna), a arma secreta de Sorrentino : Um contrabandista de cigarros gregário cuja veia selvagem desmente lealdade permanente a quem ele chama de "amigo". É impossível acompanhar. A Mão de Deus não tenta. Em vez disso, guiado por Fabietto, o filme leva seu tempo. Ele observa. Ele respira. Ele captura a vida com uma clareza que nem mesmo os melhores esforços de Sorrentino conseguiram – o que o torna seu melhor esforço até hoje. — Andy Crump
48. O corpo se lembra quando o mundo se abriu
Ano: 2019
Diretores: Elle-Máijá Tailfeathers, Kathleen Hepburn
Estrelas: Elle-Máijá Tailfeathers, Violet Nelson, Barbara Eve Harris
Gênero: Drama
Classificação: NR
Nada compensa em The Body Remembers When the World Broke Open . Cada detalhe narrativo, exigindo resolução, passa praticamente despercebido: quando Rosie (Violet Nelson) tira dinheiro da bolsa de Áila (co-diretora Elle-Máijá Tailfeathers), por exemplo, esperamos que o tempo que se seguirão juntos, os 90 minutos ou mais , vai ensinar uma lição a Rosie, vai incentivá-la a devolver as contas. Isso não acontece. Em vez disso, o corpo se lembra quando o mundo se abriuconta a história de um encontro casual entre duas mulheres das Primeiras Nações, divididas pela estabilidade socioeconômica, mas unidas por terem acabado de sofrer violações – o de Rosie é o mais recente de uma série de incidentes de abuso doméstico, enquanto o de Áila teve um DIU inserido em meio a um procedimento frio e impessoal, injetado pelo diretor de fotografia Norm Li em 16mm com o compromisso de capturar todas as caretas e estremecimentos quase traumatizados de Áila. Li segue Áila do escritório até a rua, onde ela vê Rosie descalça na chuva, talvez em estado de choque, e de lá as duas escapam do namorado enfurecido de Rosie para o apartamento seco e arejado de Áila. Li está sempre logo atrás, o resto do filme é editado em uma tomada contínua enquanto Áila tenta descobrir o que fazer para ajudar Rosie, e Rosie tenta descobrir como não ser vitimizada por virtudes sinalizando estranhos. Que Áila também seja uma mulher das Primeiras Nações pouco importa para Rosie; ela mal parece a parte. Claro, quando eles se separam, Rosie engole qualquer culpa que ela possa ter desenvolvido por roubar de Áila, e os zeladores do esconderijo lembram Áila quando Rosie não quer ficar que às vezes as pessoas levam sete ou oito vezes para ceder e deixar sua situação abusiva. Aguardamos a resolução, um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando isso não acontece, procuramos outros sinais e esperamos, sobrando apenas paciência — observar, e nunca parar de observar, e suportar o peso disso, arcar com o custo da empatia. e os zeladores da casa segura lembram Áila quando Rosie não quer ficar que às vezes as pessoas levam sete ou oito vezes para ceder e deixar sua situação abusiva. Aguardamos a resolução, um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando isso não acontece, procuramos outros sinais e esperamos, sobrando apenas paciência — observar, e nunca parar de observar, e suportar o peso disso, arcar com o custo da empatia. e os zeladores da casa segura lembram Áila quando Rosie não quer ficar que às vezes as pessoas levam sete ou oito vezes para ceder e deixar sua situação abusiva. Aguardamos a resolução, um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando isso não acontece, procuramos outros sinais e esperamos, sobrando apenas paciência — observar, e nunca parar de observar, e suportar o peso disso, arcar com o custo da empatia.—Dom Sinacola
49.História de um casamento
Ano: 2019
Diretor: Noah Baumbach
Estrelas: Scarlett Johansson, Adam Driver, Azhy Robertson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty, Merritt Wever
Gênero: Drama
Classificação: R
A maneira como Adam Driver termina “Being Alive”, que seu personagem em História de um Casamento acabou de cantar na íntegra (incluindo diálogos além dos amigos do protagonista da Companhia ), é como vê-lo drenar o que resta de seu espírito no chão, em frente ao seu pequeno público (que nos inclui). A performance começa meio pateta, o garoto do teatro não convidado tomando as rédeas para cantar um dos maiores espetáculos da Broadway, mas então, em outro lado, ele diz: “ Quer alguma coisa...coisa...” Ele começa a entender. Ele começa a entender o peso da vida, a insatisfação da intimidade desperdiçada e o que pode significar finalmente se tornar um adulto: abraçar todas essas contradições, toda essa alienação e solidão. Ele faz uma expiração profunda após as notas finais, após a faixa final; ele finalmente percebe que precisa crescer, derrubar sua antiga vida, fazer algo novo. É muito parecido com viver na Internet hoje em dia; a impossibilidade de elaborar um “eu autêntico”, insignificante como o termo pode ser, é agravada por uma paisagem cultural que se recusa a admitir que “autenticidade” é uma performance tão inautêntica quanto qualquer outra. Trabalhar através de identidades é doloroso e feio. Indiscutivelmente, estamos todos trabalhando em como ser nós mesmos em relação aos que nos rodeiam. E é isso que Bobby,Empresa , está fazendo. A cena força o espectador a fazer conexões sobre sua humanidade, a arte que está experimentando e o mundo cada vez mais mortífero em que tudo existe. Charlie pega o microfone, exausto, percebendo que precisa descobrir o que fazer a seguir, para reorganizar sua vida novamente. Todos nós, estamos montando isso também. Ou tentando, pelo menos. Isso conta para alguma coisa. —Kyle Turner
50.Okja
Ano: 2017
Diretor: Bong Joon-ho
Estrelas: Tilda Swinton, Paul Dano, An Seo Hyun, Byun Heebong, Steven Yeun, Lily Collins, Yoon Je Moon, Woo Shik Choi
Gênero: Ficção científica,
Classificação de ação: NR
Okja assume mais riscos criativos em seus primeiros cinco minutos do que a maioria dos filmes assume toda a sua duração, e não para a partir daí. O que parece ser um ponto de discórdia para alguns críticos e públicos, particularmente os ocidentais, é o tom aparentemente errático, do sentimento ao suspense, à ação vertiginosa, ao capricho ao horror, ao que quer que Jake Gyllenhaal esteja fazendo. Mas isso é parte integrante do que faz os filmes de Bong Joon-ho, bem, filmes de Bong Joon-ho: eles são sutis e complexos, mas não são exatamente sutis ou contidos. Eles têm atenção aos detalhes, mas não são delicados em seu manuseio. Eles têm múltiplas intenções e reúnem essas intenções para emperrar . São obras imaginativas que criam impulso por meio de alternâncias parte-contraparte, e Okjaé talvez o melhor exemplo até agora da oscilação de pêndulo selvagem da tonalidade rítmica de um filme Bong. Okja também não é um filme sobre veganismo, mas é um filme que pergunta como podemos encontrar integridade e, acima de tudo, como podemos agir de forma humana em relação a outras criaturas, incluindo humanos. As respostas que Okja alcança são simples e vitais, e sem realmente falá-las, ele ajuda você a ouvir essas respostas por si mesmo, porque ele fez todas as perguntas certas, e as fez de uma maneira intensamente envolvente. —Chad Betz
Blog do Marco.
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